VAN HALEN – BALANCE – 1995

La banda es formada en Pasadena en 1972 por los hermanos Eddie y Alex Van Halen, que incorporan a David Lee Rooth  como vocalista y a Michael Antony con el bajo.

Adquieren un significativo éxito local a traves de conciertos en clubes y parkings, pero es recién en 1978 cuando sale a la venta su primer disco “Van Halen” cuyo éxito inmediato catapulta a la banda a los primeros planos de la escena del rock. Pero esto es sólo el comienzo. Su carrera seguirá en contínuo ascenso a través de sus siguientes obras y presentaciones, alcanzando su momento cúlmine cuando en diciembre de 1983 es lanzado el sexto álbum “1984”. En este se afianza el sonido y la estética hard rock. Los teclados adquieren un equilibrado protagonismo y con la inclusión de batería electrónica y sintetizadores en guitarra y bajo se adentran de lleno en el rock de los ´80.

Y con este disco se termina la etapa David Lee Roth (Diamond Dave). El crecimiento de su figura dentro de la banda y el desgaste propio de la convivencia lo impulsan a iniciar su carrera como solista.

Comienza la segunda fase de Van Halen, con Sammy Hagar como cantante. Un personaje decididamente controvertido por los fieles de la primera hora. Por lo que la banda pierde adeptos por un lado, pero las canciones más accesibles con un sonido más pop, les habre las puertas a un nuevo público, al merchandising y las franquicias.

La era Sammy Hagar dura 10 años, durante los cuales, si bien mantuvieron el éxito de siempre, sus producciones no llegaron al nivel de la primera etapa.

“Balance” es el décimo álbum de la banda y el último de la era Sammy Hagar. También el más exitoso de esta etapa con más de tres millones de copias vendidas.

“Can’t Stop Lovin’ You”, “Amsterdam” y “Don’t Tell Me (What Love Can Do)”, son algunos de los sencillos que se incluyen en el disco que alcanzó el Nº 1 en el Billboard 200.

La siguiente fue una etapa de perfil bajo en cuanto a la producción e indefiniciones en la formación. Apareció David Lee Roth, lo que creo expectativas en los fans con respecto a una Re unión de la banda original, pero no fue así. Sobrevino un corto período con Gary Cherone (fundador de Extreme) que tampoco se consolidó.

El inicio de la nueva década trajo complicaciones personales en el caso de Eddie.

En 2004 graban “Best of Both Worlds” un álbum con tres temas nuevos y éxitos de la primera y segunda etapa de Van Halen interpretados por Sammy. Una gira y luego nuevamente el silencio. Un silencio que dura hasta 2007, cuando anuncian una gira por USA, México y Canadá, con David Lee Roth como cantante, los hermanos Van Halen en guitarra y batería como siempre y Wolfang Van Halen (hijo de Eddie) como bajista.

Esta formación se mantiene hasta el día de hoy. Hay giras y presentaciones, pero de su próximo disco sólo hay presunciones.

Van Halen Balance Hotfile 😉

TASTE – TAKE IT EASY BABY – 1976

El inmenso Rory Gallagher, contaba tan sólo con 17 años cuando en 1965 dio forma a este memorable power trio que dejó su impronta en el panorama del blues rock y del R&B.

El bajista Eric Kitteringham y el baterista Norman Damery completaban esta primera formación en la que se notaba la influencia del blues americano.

Comenzaron tocando sus propios temas en clubes de Irlanda y Taste empezó a ser un nombre reconocido entre los aficionados al R&B.

En 1967 Eddie Kennedy se ocupa de la representación de Taste y con él dejan Belfast para instalarse en Londres, dónde gracias a la calidad musical de la banda no tuvieron inconveniente en abrirse camino. Fueron residentes del club Marquee, dónde en más de una ocasión pudieron contar como espectador a John Lennon, un admirador del trabajo de Rory Gallagher.

Kitteringham y Damery fueron reemplazados a instancias de Kennedy, por Charlie McCraken y John Wilson respectivamente, y con esta formación graban su primer LP “Taste” en 1969 para el sello Polydor al que le sigue en 1970 “On the Board”, dos excelentes obras que lograron un amplio reconocimiento del público en Europa.

Si bien la banda apuntaba a consolidarse en el camino del éxito, las tensiones internas pusieron fin a la breve carrera de Taste en 1971, tras su presentación en the Isle of Wihgt Festival, que quedó registrada en el disco “Live at the Isle of Wight” publicado por Polydor en 1972.

Curiosamente, el disco que aquí les dejo, “Take it Easy Baby”, se publicó en 1976 y es una reedición de “Taste First” publicado en 1972 por el sello Basf, con material grabado en 1967, por lo tanto es el único registro que nos muestra a Taste con su formación original.

Taste – Take it Easy Baby – Hotfile 🙂

WARREN HAYNES – TALES OF ORDINARY MADNESS – 1992

Originario de Carolina del Norte, dueño de un talento singular con la guitarra y de una portentosa voz, Warren Haynes es uno de esos músicos que no ha necesitado estar en los primeros puestos de las listas de ventas para que se le reconozca como un icono del rock sureño americano.

Comienza tocando en 1980 uniéndose a banda de David Allan Coe con quien realiza giras por USA y Europa hasta 1984, cuando forma “Hippies Rich” en Nashville, proyecto que dura hasta 1985.

Interviene en diversas bandas y en 1989 organiza en Asheville, su ciudad natal el primer Christmas Jam, un concierto de beneficencia al que acuden importantes músicos y que se sigue haciendo cada año de manera ininterrumpida.

En 1989 reaparece después de una década de inactividad “The Allman Brothers Band” y Haynes es convocado. Hasta 1994 participa con la banda en la grabación de cuatro discos de muy buena factura y repercusión, pero también se hace un espacio para en 1992 lanzar este disco que aquí les dejo “Tales Of Ordinary Madness”, a mi modo de ver, una perla de las que se encuentran pocas.

En 1995 forma “Gov´t Mule”, banda que sigue activa y a cuyos conciertos no acude un público masivo, pero se dice que todos los espectadores son músicos.

También acompañó en giras a “The Deat”, (Formada por los miembros no originales de Greateful Deat).

En 2004 vuelve a “The Allman Brothers Band” donde aún sigue tocando y también le queda tiempo para seguir haciendo cosas como solista.

Tales of Ordinary Madness Hotfile 😉

DJANGO REINHARDT – STEPHANE GRAPELLI – SWING FROM PARIS – 1935/39

Y en la categoría de Leyendas, no podía faltar este gitano de origen belga que le dio un sitio al jazz europeo, rompiendo con la hegemonía norteamericana.

Sin saber leer música, bueno, tampoco sabía leer ni escribir otra cosa en la época de sus primeras participaciones en grabaciones de discos, por eso es que su nombre aparece como “Jiango Renard” en el disco que hizo con el acordeonista Jean Vaissade  para la “Ideal Company” en 1928.

Nació en 1910, y con su tribu nómada transitó por Bélgica y Francia hasta aparcar finalmente en París, dónde creció entre dos mundos, el de las caravanas en las afueras de la ciudad, medieval en sus creencias y desconfiado de la ciencia moderna y el de un París en apogeo que marcaba tendencias en Europa.

Comienza tocando el banjo que por supuesto aprende de manera autodidacta. A los 13 años ya despierta la atención del público y poco más tarde ya toca en clubes y bares.

Para 1928 consigue un contrato para grabar como solista, pero las lesiones que sufre al incendiarse su caravana truncan este proyecto y a punto está de acabar con su carrera musical. Pero su fuerza de voluntad era la de un gigante. Perdió la movilidad de dos dedos de la mano izquierda, que le quedaron contraídos. Y los médicos propusieron amputarle la pierna izquierda. Django se negó y pasó 18 meses de intensa rehabilitación y cuidados con los que salvó su pierna.

En este período de recuperación, su hermano le llevó una guitarra y también unos discos de Louis Armstrong y Duke Ellington. Con los discos, descubrió que el jazz era la música que quería hacer. Y con la guitarra se inventó toda una técnica para poder tocar con los únicos dos dedos útiles de su mano izquierda.

El resultado es asombroso. Al escucharlo, parece que tuviera más dedos que cualquier otro guitarrista y muchos otros guitarristas se han dejado los dedos tratando de tocar como él. Así es que se lo conoció como “El Gitano de los Dedos de Oro”.

Su música combina el swing del jazz norteamericano con las raíces musicales gitanas del este europeo, dando lo que luego se conoció como jazz manouche o gipsy jazz.

También fue un precursor al darle un lugar protagónico a la guitarra en el jazz de la época.

Su relación con el violinista francés Stephane Grappelli desemboca en una exitosa etapa musical que sienta las bases para el desarrollo del jazz europeo.

En 1934, Pierre Nourry, director del Hot Club de París, le propone formar una banda de cuerdas junto a Grappelli. Así nace “The Quintet of the Hot Club of France”. Junto a Reinhardt y Grappelli, había otras dos guitarras, a cargo de Roger Chaput y Joseph Reinhardt y un contrabajo ejecutado por Louis Vola.

El éxito fue inmediato y las grabaciones con Ultraphone, Decca y HMV lo esparcieron por todo el mundo.

En sus giras europeas participaron importantes instrumentistas  americanos como invitados, tal el caso de Benny Carter al saxo alto o Coleman Hawkins al saxo tenor.

El estallido de la segunda guerra mundial en 1939 encuentra al grupo en Londres.

Grappelli decide quedarse y Reinhardt regresa a París.

Durante esos años lidera una Big Band, forma otro quinteto en el cual el violín de Grappelli es reemplazado por el clarinete de Hubert Rostaing y luego de la liberación toca con músicos de jazz americanos que pasan por Francia.

Su fama, avalada por su talento y su virtuosismo y apuntalada, porqué no, en su fanfarronería, lo lleva de gira a USA convocado por Duke Ellington como invitado de su banda. Si bien la gira fue exitosa, el bop de moda en la época sonaba estridente en la guitarra (en este caso eléctrica) de Django. Muy alejado de aquel alegre swing.

Durante su estancia en Estados Unidos, también tocó en programas de radio junto a Louis Armstrong.

A su regreso a Francia se reúne en varias ocasiones con Grappelli y vuelven a encontrar un equilibrio fusionando el swing con el bop.

En 1950 se retira a Fontainbleu y prácticamente abandona la música. En 1953 muere de un derrame cerebral a la temprana edad de 43 años.

Su legado es enorme. Casi 300 grabaciones. Un seguidor en cada guitarrista. Un estilo que cambió la historia de la música.

Swing from París Hotfile 😉

CREAM – WHEELS ON FIRE – 1968

La vida de Cream fue breve. Comenzó en 1966 y terminó en 1968. Menos de 3 años de actividad, que sin embargo fueron suficientes para que su música planteara las bases que cimentaron el rock progresivo de finales de los 60´s en adelante, inspirando a bandas como Rush, The Allman Brothers, Phish o Black Sabbath.

Todo empezó con el alejamiento de Eric Clapton de “Yarbirds” cuando ya era un reconocido guitarrista de blues en Inglaterra y su encuentro con Ginger Backer, un gran baterista de base jazzística que se desvinculaba dela GrahamBond.Ambos conocían a Jack Bruce, un bajista de jazz y vocalista al que convocan para dar forma al power trio.

En su primer disco “Fresh Cream” se recreaban versiones de blues que si bien lo posicionaron en el 6º puesto en las listas británicas y en el 39º en USA, aún la banda sonaba rígida y con poca capacidad para la improvisación.

Fue la experiencia adquirida en los recitales en vivo lo que definió la identidad de Cream. Los solos de guitarra de Clapton eran esperados por el público y los de Ginger Backer en la batería eran una novedad dentro del rock.

En este disco doble, “Wheels of  Fire”, la banda se aleja del blues para volcarse al rock progresivo, incorporando nuevos instrumentos e incrementando la potencia sonora de sus conciertos, que viene demostrada en el disco 2, con tres temas grabados en el “Winterland Ballroom” y uno en el “Fillmore”. Este disco los coloca a la cabeza de las listas a ambos lados del atlántico y el tema “White Rooms” se convirtió en uno de los más radiados.

Finalizada la grabación de este disco, los integrantes decidieron tomar cada uno su camino. Pero Cream sigue viva en la historia de la música contemporánea.

Cream – Wheels on Fire – Hotfile 🙂

Se agradecen los comentarios 😉

JOE BONAMASSA – THE BALLAD OF JHON HENRY – 2009

Joe Bonamassa.

Sangre nueva.

Un hombre que toma la antorcha para llevarla en alto mientras transita el camino que perpetúa el estilo musical.

Está considerado al día de hoy como uno de los máximos exponentes de la guitarra en el ámbito del blues rock.

En mayo de 2009 brindó un concierto en el Royal Albert Hall para celebrar sus 20 años de carrera musical. El tema es que Bonamassa tenía 32 años en ese momento, por lo que concluimos que su carrera comenzó con poco más de diez. Y efectivamente. Su talento bestial con la guitarra le permitió a los 12 años compartir escenario nada menos que con BB King con quien lo ha seguido haciendo en otras numerosas oportunidades a lo largo de su carrera.

Su pasión son el blues y las guitarras. Su colección alcanza las 190 unidades.

Nacido en NY, sus influencias le llegan no solamente de los grandes de USA (Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, BB King), sino también del blues británico (Eric Clapton, Jeff beck, Jimmy Page, John Mayall).

No obstante su extensa e intensa trayectoria, su nombre trasciende las fronteras de US y llega a Europa hace solo unos pocos años.

Escuchar su música es regresar a 1971-72-73 y escuchar ese magnífico blues rock, pero con un aire renovado que refuerza su vigencia.

Al día de hoy, Joe Bonamassa tiene publicados 12 álbumes, el primero “Bloodline” de 1994 y el último publicado en 2011 es “Dust Bowl”. Y entre los DVD no se puede dejar de mencionar el de su concierto en el Royal Albert Hall.

Sus extensas giras alcanzan las 250 presentaciones anuales.

“The Ballad of John Henry” es una de sus obras más completas. Se nota la experiencia aquilatada y además de ser un Guitar Hero, compone y canta a la altura. Además de sus composiciones, las versiones que hace de Tom Waits (Jockey Full of Bourbon), Sam Brown (Stop), Ike & Tina Turner (Funkier Than as Mosquito´s Tweeter) son insuperables.

Dicho lo dicho, sólo queda escucharlo.

Buen fin de semana.

The Ballad Of John Henry Hotfile 😕

BB KING – LUCILLE – 1968

Quien fuera “The Blues Boy” a los 9 años, cuando accedió a su primera guitarra, es desde hace años el “Rey del Blues”. Hoy con 86 años lleva su corona con la dignidad de un monarca, jerarquizando ese sentimiento musical que es el blues, en infinidad de escenarios alrededor del mundo.

Precisamente el próximo 21 de julio de 2011 inicia su gira europea con una presentación gratuita en el Festival de Jazz de San Sebastián.

A través de su extensa carrera Lucille fue compañera y portavoz de ese canto que nacía en el alma del Missisippi. Lucille nació Gibson acústica, pero también en oportunidades fue Fender Telecaster. Maduró como Gibson ES-355 y en 1981 tuvo su merecido reconocimiento cuando Gibson diseñó el modelo Lucille.

No obstante, ya en 1968, BB King le rindió homenaje con este disco. Una obra maestra que libera el espíritu del blues cada vez que suena.

BB KING Lucille Hotfile